2012 4 - BlogBrother

Le banc de touche

Titre : Le banc de touche
Scénariste : Martin Page
Dessinateur : Clément C. Fabre
Parution : Juillet 2012

Quand je vais à un festival de BD, je prends toujours le temps de m’arrêter au stand Vraoum/Warum. Cette jeune maison d’édition propose des livres de qualité et regroupe des auteurs que j’apprécie. J’ai pu ainsi acquérir « Le banc de touche », une bande-dessinée scénarisée par Martin Page et dessinée par Clément C. Fabre. J’ai été attiré avant tout par le dessin de Clément Fabre, que je connaissais par son blog. La lecture de quelques pages m’a convaincu d’acheter l’ouvrage (avec la belle dédicace qui va avec).

Le pitch n’est pas des plus réjouissants : Louis, Charlotte et Darius sont trois adolescents/jeunes adultes dépressifs. Ils passent leur temps à broyer du noir et ils transpirent la désillusion par tous les pores de leur peau. Le tout est organise en strips, majoritairement de quatre cases. Ponctuellement, une planche ou une illustration viennent s’immiscer entre les strips, amenant une mécanique légèrement différente.

Mais pourquoi tant de désespoir ?

C’est donc de l’humour noir qui nous est servi ici. Et honnêtement, si ça ne va pas trop dans votre vie, je ne suis pas sûr que la lecture de cet ouvrage soit avisée. Car en dehors des jeux de mots sur la mort et des remarques morbides, c’est une vraie désillusion sur la vie et les rapports humains qui est mise en lumière. Louis passe son temps à se faire larguer. Il passe plus de temps en chagrin d’amour qu’en couple, se demandant si tout cela vaut le coup. L’humour cynique et désespéré de l’ouvrage fait mouche heureusement et les trouvailles sont nombreuses. Alors que l’on pourrait croire que ces adulescents désespérés tourneraient en rond, les auteurs parviennent à nous surprendre jusqu’au bout. Il y a quand même dans cette désillusion un petit côté « Peanuts ».

L’ouvrage est bien rythmé, alternant strips et illustrations et variant les situations. On regrettera juste que le postulat de départ, trois jeunes gens désespérés, reste un peu inexpliqué. A la fermeture de l’ouvrage, on ne peut s’empêcher de se demander « mais pourquoi tant de désespoir ?! »

Le tout est servi par le dessin de Clément Fabre. Son trait est simple et reconnaissable. Bien que souvent il ne se passe pas grand-chose, il parvient à varier les situations pour que le lecteur n’ait pas l’impression de revoir sans cesse la même scène. Quand il possède un peu plus d’espace pour s’exprimer, il montre toute l’étendue de son talent. Sans jamais être tape-à-œil, son dessin est efficace et parfaitement mis en valeur par des couleurs à l’aquarelle magnifiques. Je suis très fan du graphisme de Fabre, à la fois simple et maîtrisé parfaitement.

Au final, j’ai vraiment été séduit par cet ouvrage. L’humour noir m’a parlé et un véritable univers se dégage des discussions des trois personnages. Le graphisme est à la hauteur et renforce d’autant plus les textes. Une belle découverte qui ne me donne qu’une envie : continuer à suivre ces deux auteurs dans leurs prochains ouvrages.

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Z comme Don Diego, T2 : La loi du marché

Titre : Z comme Don Diego
Scénariste : Fabcaro
Dessinateur : Fabrice Erre
Parution : Octobre 2012

Zorro est le héros de mon enfance. Je me rappelle des bons moments passés avec mes parents à regarder les aventures du célèbre justicier masqué. J’avais donc jaugé avec curiosité l’apparition du premier tome d’une nouvelle série intitulée « Z comme don Diego ». La découverte s’était avérée drôle et sympathique. C’est donc en confiance que je me suis offert l’opus suivant paru au mois d’octobre. Il s’intitule « La loi du marché » et nous présente un Zorro bardé de sponsors tel un pilote de Formule 1. Son père, le sergent Garcia, la señorita Sexoualidad ou encore Bernardo l’accompagnent au second plan.

Au-delà de la présence du célèbre Zorro, cet ouvrage possédait un autre atout évident lors de notre première rencontre. Cet aspect était la présence de Fabcaro sur la couverture. J’ai découvert ce scénariste par « Jean-Louis et son encyclopédie » et « Steve Lumour ». Il faisait ici état de son talent à tourner en dérision des personnages de « loser ». Il était donc curieux de voir exploiter le mythe de Zorro dans cet esprit-là. Le premier épisode avait répondu aux attentes, j’en espérais autant du second.

Un Don Diego opposé au héros télévisuel qu’il représente.

On retrouvait donc avec plaisir ce Don Diego maladroit et à l’opposé du charismatique héros télévisuel qu’il représente. On a du mal l’imaginer sauver qui que ce soit tant il a déjà du mal à garder son identité secrète. Nombre sont les gags à se construire sur cette dimension-là. Le justicier pourrait être démasqué des dizaines de fois. Mais ce cher sergent Garcia ne vaut pas mieux que lui. On rit avec bon cœur de la bêtise de tout ce beau monde. Il va sans dire que Don Diego ne se révèle dans ses tentatives de séduction. Son amour et sa bonne volonté ne sont pas reconnus par la señorita Sexoualidad qui pourtant ne brille ni par ses charmes ni par sa classe. Les auteurs arrivent à offrir de nombreux gags sur ce thème sans pour autant se répéter.

Afin d’éviter le côté routinier de ce type de série, Fabcaro décide d’intégrer un nouveau personnage qui apparaît anachronique avec l’univers de Zorro. Il s’agit de Wolverino. La parenté de ce dernier avec le héros des X-Men est évidente. Apparait donc un combat digne des geeks : Zorro contre Wolverino. Rapidement, le choc apparait déséquilibré tant la maladresse de Don Diego est battue à plate couture par l’efficacité de son concurrent aux lames acérées. On découvre donc le héros chercher un emploi plus classique tant sa dimension de justicier a pris du plomb dans l’aile. Cet aspect génère une nouvelle corde l’arc du scénariste et génère ainsi d’autres gags qui pour la plupart nous ravissent. L’album nous présente environ quatre-vingts strips dont la grande majorité fait mouche. On sourit souvent, on rigole de temps à autre. Bref, cet album est un condensé de bonne humeur qui chatouille sans effort nos zygomatiques.

Les dessins de Fabrice Erre collent parfaitement à l’esprit déluré du propos. Les traits tout en rondeur se prêtent au côté « cartoon » des situations. Les expressions graphiques des personnages sont caricaturales et excessives et participent ainsi au plaisir de la lecture. Les pages dégagent une bonne humeur évidente. On apprécie de suivre les courses effrénées du justicier dans ce village du Nouveau Mexique. Les décors sont suffisamment travaillés pour que le dépaysement soit réussi.

En conclusion, « La loi du marché » est un ouvrage des plus honnêtes. Rares sont les albums humoristiques à s’approprier de manière aussi réussie un univers existant. Rien n’est bâclé. Les auteurs montrent une affection certaine pour Zorro et lui rendent un bel hommage en le parodiant ainsi. Les rumeurs laissent entendre que cette série ne connaitra pas de troisième opus par la faute de nombre de ventes décevant. J’en suis triste. Mais cela ne m’empêche d’espérer que ce cher don Diego aura d’autres occasions de nous faire rire. Mais cela est une autre histoire…

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Kililana song, T1

KililanaSong1

Titre : Kililana song, T1
Scénariste : Benjamin Flao
Dessinateur : Benjamin Flao
Parution : Mars 2012

« Kililana song », première partie, a été auréolé du prix Ouest-France au festival Quai des Bulles de Saint Malo. Une distinction qui donne suffisamment envie de s’y intéresser ! De plus, le dessin, tout en aquarelles et en encres de l’auteur Benjamin Flao, flatte la rétine du lecteur. Alors qu’en est-il de ce premier opus ? Le tout est publié chez Futuropolis pour plus de 120 pages de lecture.

Nous sommes sur une ville côtière du Kenya. Ici se mêlent pêcheurs, navigateurs, expatriés et touristes. Au milieu de cet univers, Naïm, 11 ans, déambule parmi ceux là, élevé par sa tante et pourchassé par son grand frère. Ce dernier veut qu’il aille à l’école et devienne un bon musulman, ce dont le petit Kenyan n’a que faire. Au fil de ses pérégrinations, Naïm nous décrit ainsi cet univers particulier et forcément dépaysant pour un lecteur occidental.

Un carnet de voyage devenu fiction.

Au-delà de l’histoire de Naïm, d’autres histoires viennent se greffer. Ainsi, un arbre géant (et magique), semble être le point crucial de l’histoire (et pourtant à peine abordé). De même, un navigateur perdu n’a pas encore trouvé son rôle. C’est un peu le point faible du bouquin. L’auteur enchevêtre quelques histoires mais après 120 pages, tous les liens ne sont pas encore clairs. Ainsi, le début de lecture est poussif et un peu perturbant, la narration restant évasive. Ainsi, c’est avant tout Naïm et ses rencontres qui nous transportent pour le moment.

Benjamin Flao se repose donc sur une recette bien connue : des personnages hauts en couleur, des rencontres… En cela, on sent que le livre est issu de ses propres voyages (ce qu’il annonce en début de livre). Dommage que les situations se répètent un peu (notamment les poursuites du grand frère), si bien que le livre dilue l’intérêt et l’attention du lecteur. Un peu de concision n’aurait pas fait perdre grand-chose. La fin de l’ouvrage laisse présager de bonnes surprises, il faudra donc attendre la suite pour vraiment savoir si le fil rouge de l’ensemble est pertinent.

Au niveau du dessin, difficile de ne pas être séduit par le trait de Benjamin Flao. Si certaines planches sont parfois un peu confuse, ses choix de cadrage sont toujours originaux et travaillés. Ses couleurs subliment l’ensemble et nous font vraiment ressentir cette Afrique côtière, avec la mer, les bâteaux et la lumière omniprésente. C’est du beau travail, dynamique comme du croquis de voyage et néanmoins d’une précision exemplaire.

KililanaSong1a

Difficile de ne pas être conquis par ce « Kililana song ». Dépaysant et pourvu d’un dessin virtuose, on a envie d’y adhérer pleinement. Mais le fil rouge peine un peu à se mettre en place et les longueurs de l’ouvrage nous font tiquer. Des espoirs à confirmer avec la deuxième partie !

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Leo Loden, T21 : Barigoule au Frioul

Titre : Leo Loden, T21 : Barigoule au Frioul
Scénaristes : Christophe Arleston & Loïc Nicoloff
Dessinateur : Serge Carrère
Parution : Août 2012

« Barigoule au Frioul » est le titre du dernier épisode des aventures de Leo Loden, héros né il y a plus de dix ans de la collaboration de Christophe Arleston et de Serge Carrère. C’est le nom du premier cité qui m’avait incité à découvrir cette saga. En effet, « Lanfeust de Troy » était une de mes séries de chevet à cette époque-là. J’étais donc curieux de partir à la rencontre des différents univers de ce célèbre scénariste. Comme pour les précédents opus de la série, il s’associe à Nicoloff pour l’écriture de ce vingt et unième tome mettant en scène le célèbre détective privé marseillais. Ce nouvel ouvrage est paru au mois d’août dernier chez Soleil. La couverture nous présente Leo et son oncle sous une pluie torrentielle. Au gré d’un éclair, la nuit s’illumine et voit apparaitre un corps pendu. Qui ? Comment ? Pourquoi ? Il ne restait donc plus qu’à se plonger dans la lecture…

Pour vous présenter rapidement la trame, je vais citer le résumé proposé par le site BD Gest’ : « Le Château d’If, une forteresse imprenable qui protège l’entrée du Vieux-Port… et un refuge bienvenu quand on est pris dans un léger grain selon Tonton (une grosse tempête selon tout le monde). C’est ainsi que Léo et Loco se retrouvent au milieu d’un séminaire de motivation réunissant les cadres d’une entreprise pharmaceutique où l’ambiance semble idéale… jusqu’au moment où le grand patron meurt empoisonné lors du cocktail de fin de journée. Voilà une enquête parfaite pour Léo : le coupable est forcément sur l’île et ce n’est pas le fantôme du Comte de Monte-Cristo ! Mais les apparences sont peut-être trompeuses… »

Cet album s’adresse, à l’image de la série, à un public très large. Le ton est léger. Bien que construit sur la narration d’une enquête, l’humour tient une part prépondérante dans l’écriture du scénario. C’est d’ailleurs davantage au nombre de moments drôles qu’à la densité de l’intrigue qu’on juge le plaisir de la lecture d’un épisode. J’ai une réelle affection pour les personnages de cette saga malgré la qualité parfois inégale des différents tomes. Certains crus sont excellents, d’autres apparaissent moins aboutis. Je suis donc plein d’espoir à chaque nouvelle parution.

Malgré son statut de marseillais, Loden a souvent eu l’occasion de voyager à l’image d’un Astérix. On prend donc souvent plaisir à voir les clichés locaux être exploités au service de l’intrigue. Je suis donc curieux de savoir où nous mène ce « Barigoule au Frioul ». Le titre est une indication. Il possède un ton provençal qui nous éloigne peu de la cité phocéenne. Mais il n’est pas nécessaire de partir bien loin pour se sentir dépaysé. Se trouver immerger dans un huis clos nocturne, pluvieux et ilien est intéressant. Cela l’est d’autant plus que Loden a souvent l’occasion de beaucoup se déplacer lors de ses enquêtes, ce qui s’avère impossible ici. De plus, ce type de trame possède un ton « Cluedo » qui peut s’avérer original.

Les auteurs cherchent vraiment à exploiter le fait de se trouver au Château d’If. Les allusions au lieu sont nombreuses et s’intègrent parfaitement dans l’histoire. C’est une des caractéristiques méritantes de cette série. A ce niveau-là, le lien avec Astérix est évident. Ce dernier ne rencontre pas les mêmes personnes en Helvétie, en Hispanie ou en Corse. De la même manière, Arleston n’utilise pas les mêmes ficelles quand il nous immerge à Lyon, Lille, Marseille ou Toulouse. La dimension « touristique » m’a plu et j’ai pris plaisir à graviter dans cette forteresse. Mais l’album n’est pas un appendice du Guide Vert. On découvre un assassinat. Il y a une dizaine de suspects. Heureusement, Loden et son oncle sont dans la place et se charge donc de résoudre cette énigme.

Le grand nombre de personnages me laissait espérer une intrigue dense et pleine de rebondissements. Faire intervenir chacun des protagonistes devait offrir une épaisseur au contenu. Au final, ils se révèlent que certains restent vraiment secondaires et anecdotiques. Cela ne veut pas dire que l’histoire est creuse mais elle s’avère moins « rebondissant » qu’espérée. L’histoire se laisse lire avec plaisir et ne souffre pas de réel temps mort. Néanmoins, à aucun moment, on est emporté réellement par les pérégrinations de nos amis. Il manque un petit quelque chose qu’on est conquis par la lecture. On ne se plonge jamais de manière aussi intense que je pouvais l’espérer. On reste légèrement en retrait.

Les dessins de Serge Carrère correspondent parfaitement à l’ambiance de la série. Sur ce point, l’association entre Arleston et ce dessinateur est loin d’être une faute de goût. Le dessin est rond et facile d’accès. Il conviendra aux grands comme aux petits. Les visages sont très expressifs et complètement parfaitement l’aspect humoristique du propos. De plus Carrère n’a aucun mal à dessiner les scènes de poursuite ou d’action et à faire naitre ce sentiment de rythme. Les couleurs, œuvre de Cerise, sont simples et vives et participent à l’accueil agréable qu’on ressent en découvrant chaque page.

En conclusion, « Barigoule au Frioul » est un tome honnête. Il est dans la moyenne de la série. Il est loin des meilleurs mais reste plus construit que d’autres. La lecture était agréable à défaut d’être envoutante. Cet opus complète honnêtement la collection. Néanmoins, pour ceux qui souhaitent découvrir ce détective fort sympathique, je vous conseille de lire les albums dans l’ordre. En effet, je garde une tendresse particulière pour les premières enquêtes…

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Wollodrïn, T3 : Le Convoi 1/2

Titre : Wollodrïn, T3 : Le convoi (1/2)
Scénariste : David Chauvel
Dessinateur : Jérôme Lereculey
Parution : Septembre 2012

« Wollodrïn » est une série née récemment. En effet, son premier tome date d’un petit moins de deux ans. Depuis deux autres opus ont vu le jour. C’est le dernier d’entre eux dont traite ma critique. Il s’intitule « Le convoi » et est apparu dans les librairies le cinq septembre dernier. Il est édité chez Delcourt et est vendu pour environ quatorze euros. Il est l’œuvre conjointe de David Chauvel et Jérôme Lereculey. Le premier se charge du scénario et le second des dessins. Leur duo est connu dans le milieu du neuvième art pour la qualité de « Sept voleurs ». Ne l’ayant pas lu, « Wollodrïn » est la saga qui me permet de découvrir leur métier. La couverture de « Le convoi » nous présente deux personnages rencontrés précédemment. Il s’agit d’une jeune femme et de son ami orc. Ils semblent être pris au piège, entouré par de nombreuses personnes aux intentions belliqueuses.

La quatrième de couverture nous offre le synopsis suivant : « Onimaku l’humaine et Hazngar l’orc, unis depuis l’anéantissement du clan de ce dernier, cherchent fortune au gré de leurs errances, vivant d’expédients ou de paris clandestins… Jusqu’à ce que leur chemin croise celui d’un convoi de pionniers, le peuple d’Ernön, en route pour le lointain pays d’Hingell. Abandonnés par leurs guides, ces derniers enrôlent le duo afin qu’il les mène jusqu’à la terre promise. Mais certains sont prêts à tout pour que le convoi n’arrive jamais à bon port… »

Plus proche de l’esprit de « Lord of the Rings » que de « Lanfeust de Troy »

Le résumé précédent indique sans mal que cette série s’inscrit dans le grand monde de la « fantasy ». On y trouve nain, orc, gobelin et humain. Sur ce plan, les adeptes du genre seront ravis. Les codes sont relativement classiques. On se rapproche davantage de l’esprit de « Lord of the Rings » que de « Lanfeust de Troy ». Il ne faut pas y voir un jugement de valeur mais un état d’esprit. J’apprécie les deux de manière égale. Mais il est vrai que le succès de la grande saga d’Arleston et Tarquin a eu tendance à fortement influer les parutions du genre. La particularité de Wollodrïn, à la manière de « Largo Winch » est de découper sa narration en diptyque. Ce troisième acte est donc le premier tome de « Le convoi ». Même si les personnages ne nous sont pas inconnus, il est relativement indépendant de l’histoire précédente qui occupait les deux premiers albums sous le titre « Le matin des cendres ». C’est un choix agréable car il évite la dilution que connait trop souvent la trame de ces séries au long cours.

Le fait que l’histoire se découpe en uniquement deux parties fait que les auteurs ne perdent pas de temps en digression. Les jalons de l’intrigue sont rapidement posés et notre immersion dans les pas des héros est immédiate. Le fait de retrouver le duo formé d’Onimaku et Hazgnar génère un plaisir certain. Ils sont attachants et font naitre énormément d’empathie à leur égard. Leurs pérégrinations les mènent au côté d’une curieuse communauté. Cette rencontre offre un fil conducteur simple qui donne aisément lieu à une succession d’événements rythmant la narration. Les nombreux malheurs qui agrémentent l’avancée de la caravane attise notre curiosité et suscite bon nombre de questions. D’ailleurs le dénouement nous laisse en plan avec nos questions et nous fait attendre avec une certaine impatience la parution de la suite.

Les illustrations de Lereculey participent activement à la création de l’univers qui abrite l’histoire. Nous n’avons aucun mal à nous plonger dans ces contrées au beau milieu de ses habitants. Le trait n’est pas surchargé mais arrive néanmoins à donner une vraie identité à chaque personnage. Je trouve le personnage de Hazgnar particulièrement réussi. Ses expressions faciales sont un modèle du genre qui ne laissera personne indifférent. De plus, le travail d’illustration est mis en valeur au cours de planches qui sont régulièrement dépourvues quasiment de textes. Cela permet à notre lecture ne voir son ambiance prendre de l’épaisseur. De plus, le travail sur les couleurs est de qualité et rend crédible l’ensemble.

En conclusion, cet album est de grande qualité. Il est dans la lignée des deux premiers opus. « Wollodrïn » est vraiment une série de « fantasy » agréable. Elle s’adresse à un public relativement large par son trait et son propos. Je pense que les adeptes du genre se doivent de faire un détour par l’univers créé par Chauvel et Lereculey. De mon côté, il ne reste plus qu’à attendre la sortie de la seconde partie de « Le convoi ». Mais cela est une autre histoire…

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Canardo, T22 : Piège de miel

Titre : Canardo, T22 : Piège de miel
Scénariste : Benoît Sokal
Dessinateurs : Benoît Sokal & Pascal Regnauld
Parution : Octobre 2012

« Canardo » est une série que j’apprécie énormément. Suivre les enquêtes de ce détective au physique de palmipède et à l’allure de Colombo procure un plaisir certain. Je suis assez admiratif de la capacité de son auteur, Sokal, à conserver une qualité d’écriture toujours élevée plus de trente ans après les premières aventures de son héros. J’étais donc confiant et impatient de me plonger dans cette nouvelle épopée intitulée « Piège de miel ». Sa parution date du mois de septembre dernier. Le père historique de la saga s’associe une nouvelle fois à Pascal Regnauld pour faire naitre cet opus.

Comme dans une grande partie de ses histoires récentes, Canardo se trouve proche du plat pays. La Belgique est le nouveau lieu star des pérégrinations du célèbre enquêteur. Cela permet de faire apparaitre une ambiance grise et triste. On a le sentiment que le soleil n’est jamais de sortie. On ne peut pas dire que Sokal milite pour l’office de tourisme belge. Je me garderais de toute comparaison avec la réalité sur les plans géographiques et météorologiques mais je tiens à préciser que j’apprécie toujours d’être envouté par cette atmosphère. Le travail sur les couleurs participe activement à la force de cette dernière. Le dépaysement est immédiat. On ressent un vrai plaisir à retrouver cet univers qui nous est familier et qui ne nous laisse pas insensible.

Une partie de Cluedo des plus passionnantes.

Le héros étant détective, il lui faut donc trouver une affaire pour expliquer sa charismatique présence sur les lieux. Il est ici en mission. On apprend rapidement qu’il surveille de près un ministre au physique peu avenant. Une parenté avec notre cher ancien-futur président de la France ne serait qu’un hasard malencontreux. Canardo arrange une rencontre entre ce ponte et une femme splendide qui s’avère être une prostituée de luxe. Tout cela sent le guet-apens. Mais l’intrigue prend vite une tournure différente quand tout ce beau monde est pris par une tempête de neige. La solution de repli pour passer la nuit est une curieuse résidence isolée et habitée par une famille noble à défaut d’être riche.

Tout est donc réuni pour nous plonger dans une partie de Cluedo des plus passionnantes. Il n’y a pas de crime mais tous les autres ingrédients sont présents. L’unité de lieu est imposée par la météo. De plus, ce lieu possède un charme certain. C’est un château perdu au milieu de la forêt. On retrouve une galerie de personnages importante. Chacun donne lieu à des interrogations. Les secrets semblent nombreux et les cadavres doivent inonder les placards. Notre ami palmipède semble vouer à arbitrer tout ce petit monde et les différentes interactions qui vont lier les uns avec les autres. Cet état des lieux attise donc notre curiosité et fait que notre immersion est immédiate. Dès les premières pages, par les décors, les personnages et l’atmosphère, on est conquis.

Notre plaisir ne diminuera jamais au fur et à mesure que les pages défilent. A aucun moment, notre attention et notre attrait ne s’atténuera. La narration ne souffre d’aucun temps mort. Bien au contraire, l’intensité ne cesse d’augmenter. Chaque personnage, par son apparition dans l’intrigue, relance la trame. Le dénouement est à la hauteur du chemin qui y mène. Il n’y a aucune déception. La dernière page est un modèle de conclusion tant sur le plan graphique que du texte. Ce nouvel opus ravira les adeptes du célèbre détective. Ils y retrouveront tous les ingrédients qu’ils ont l’habitude de savourer. Pour ceux qui n’ont encore jamais rencontré Canardo, je ne peux que vous conseiller de découvrir « Piège de miel ». Il s’agit d’un excellent cru pour un premier rendez-vous avec le célèbre palmipède…

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Pierre Tombal, T28 : L’amour est dans le cimetière – Raoul Cauvin & Marc Hardy

Titre : Pierre Tombal, T28 : L’amour est dans le cimetière
Scénariste : Raoul Cauvin
Dessinateur : Marc Hardy
Parution : Avril 2012

Il y a quelques semaines je me suis offert le vingt-huitième des aventures de « Pierre Tombal ». Il s’agit du dernier opus des aventures du plus célèbre fossoyeur apparu dans les rayons des librairies. J’ai découvert cette série il y a une vingtaine d’années quand certains de ses albums se trouvaient dans la bibliothèque de mes parents. J’ai toujours pris plaisir à m’y plonger et me suis donc fait ce petit plaisir de découvrir de nouvelles anecdotes se déroulant dans le cimetière de ce cher Pierre. Cauvin s’occupe toujours du scénario et Hardy des dessins. Edité chez Dupuis, cet ouvrage coûte environ onze euros et se compose de presque cinquante pages.

Pierre Tombal est fossoyeur. Il travaille donc dans un cimetière et nous fait partager son quotidien. On y suit les enterrements, l’entretien des tombes ou les visites des proches venus se recueillir. Mais cet album possède deux stars qui prennent le premier rôle aux vivants : la Mort et à la Vie. Ces deux-là ont évidemment bien du mal à s’entendre particulièrement dans tel lieu qui marque le passage de l’une à l’autre…

Une thématique des plus originales.

Comme je le signalais en introduction, cela fait très longtemps que je suis le quotidien de Pierre Tombal. La thématique de cette série est quand même originale. Alors que les sagas centrées sur un métier poussent comme des champignons dans le neuvième art, Cauvin était assez avant-gardiste avec « Pierre Tombal » ou « Les femmes en blanc ». Mais au-delà de ce côté historique, le choix du métier de gardien de cimetière était loin d’être évident. On y a associe le deuil, la tristesse, le noir, le silence ou l’angoisse. Et pourtant, cette série est à l’opposé de tout cela. Et ça commence à durer !

Le bouquin se décompose en plusieurs gags. Dans la majorité des cas, ils se composent d’une seule page. Certains en nécessitent deux ou trois. Ce format fait que cet album peut se feuilleter à tout moment. On n’est pas obligé de tout lire d’une traite. On peut s’offrir cinq minutes de rigolade à tout moment. La quasi-totalité des histoires se déroulent dans le cimetière. Il y a deux schémas narratifs principaux. Le premier voit Pierre Tombal vivre une anecdote du quotidien. On le voit donc gérer une situation surprenante, originale et parfois ubuesque. La seconde voie scénaristique voit Pierre conter une histoire qui a déjà eu lieu à une tierce personne et au lecteur en parallèle. Le ton ressemble davantage à une fable qu’on raconterait à un enfant. Néanmoins, ces deux optiques utilisent les mêmes ingrédients. Une situation nous est présentée au début sans qu’on sache réellement comment elle doit évoluer. On suit son avancée pour aboutir à dénouement surprenant et souvent drôle. La recette est plus que classique. Néanmoins, quand elle est bien exécutée, elle est redoutable d’efficacité.

Lors des premiers tomes de la série, l’essentiel des albums se concentrait sur le monde des vivants. On découvrait les soucis du quotidien de Pierre. On rigolait de sa concurrence avec son collègue du crématorium et avec celui qui organisait les immersions. Au fur et à mesure que la série se développait, il faisait parler les morts. On commençait donc à voir le cimetière comme une immense résidence dont Pierre Tombal était le gestionnaire et les personnes décédées les locataires. Cette idée a donné une ampleur humoristique énorme à mes yeux. Ensuite, au bout d’un moment, la Mort s’est matérialisée. Elle offre à son tour une autre corde à l’arc du scénariste. Voir cette dernière faire son boulot comme n’importe quel employé est drôle. Elle possède des états d’âmes et s’avère de temps à autre maladroite. Bref, elle est bien plus humaine qu’on pouvait le penser. Puis c’est adjoint la Vie qui prend les traits d’une petite fille qui sautille en permanence. Elle est évidemment l’ennemie intime de la Mort. C’est cette dernière recette qui est particulièrement exploitée dans « L’amour est dans le cimetière ». Elle est souvent utilisée à bon escient. L’imagination de Cauvin fait souvent mouche. Néanmoins, je regretterais presque que le scénariste mette de côté les autres aspects de son univers. En effet, la diversité des gags fait partie de la réussite de cette série. C’est dommage.

Concernant les dessins, le trait est reconnaissable. Pierre Tombal a subi relativement peu d’évolution à ce niveau-là depuis sa naissance. Ce n’est pas désagréable car cette dimension graphique fait partie intégrante de l’univers de « Pierre Tombal ». Malgré un aspect assez brouillon, le style de Hardy s’avère dynamique. Les personnages ne sont jamais statiques et sont particulièrement expressifs. Les personnages masculins ont parfois des visages « cartoonesques » alors que les femmes sont plutôt classiques. Cet aspect excessif participe à la bonne humeur qui se dégage de cet album.

En conclusion, je n’ai pas regretté de m’être procuré « L’amour est dans le cimetière ». J’y ai trouvé tout ce que j’étais venu y chercher. La qualité est la même que dans les premiers tomes. Ce n’est pas toujours le cas dans ces séries au long cours et je tenais à le signaler. Je pense même que je craquerai pour le vingt-neuvième opus dès son apparition dans les bacs. Mais cela est une autre histoire…

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Uchronie(s), New Moscow, T1 – Eric Corbeyran & Nicolas Otéro

Titre : Uchronie(s), New Moscow, T1
Scénariste : Eric Corbeyran
Dessinateur : Nicolas Otéro
Parution : Octobre 2012

« Uchronie(s) » est incontestablement une des meilleures séries que j’ai découvertes lors de la dernière décennie. Elle se construisait à partir de trois trilogies parallèles qui se trouvaient réunies dans un dixième tome. Chaque partie correspondait à une réalité différente mais faisait intervenir des protagonistes communs. L’idée était brillante. La réalisation complexe s’est avérée à la hauteur. J’ai néanmoins été surpris de voir Eric Corbeyran se lancer dans la rédaction de trois nouvelles sagas construites sur le même principe. Il s’agit de « New Beijing », « New Moscow » et « New Delhi ». J’ai récemment lu le premier opus de « New Beijing ». Mais ma critique d’aujourd’hui porte sur le début de la seconde citée qui est apparu dans les librairies en octobre dernier. Pour sa naissance, le célèbre scénariste s’est associé au dessinateur Nicolas Otero que je ne connaissais pas jusqu’alors.

Un bon cru de science-fiction.

Comme son nom l’indique, l’ambiance est russe dans cette nouvelle aventure. On ne sait pas vraiment à quelle époque on se trouve étant donné le fait que chaque nouvelle histoire présente une réalité parallèle à la nôtre. On prend donc un réel plaisir à errer dans l’université impériale de Saint-Pétersbourg. Les discussions oscillent autour d’une certaine matière noire qui était au centre de la première décalogie. On en connait ses pouvoirs mais cela ne nous empêche pas de prendre un réel plaisir à voir ces étudiants et professeurs jouer à l’apprenti sorcier avec. En ce sens, « New Moscow » est un bon cru de science-fiction. On n’a aucun mal à s’immerger dans cette uchronie sérieusement construite.

Mais au-delà de sa dimension scientifique, l’intrigue possède de nombreuses zones d’ombre qui suggère bon nombre d’interrogations. Notre curiosité est ainsi en permanence sollicitée. La lecture se conclut en nous sevrant. Il faudra attendre la suite pour en savoir davantage. Cet album possède une densité scénaristique relativement forte. Les arcanes narratifs sont nombreux et on prend vraiment beaucoup de plaisir à s’y perdre. J’ai également apprécié de découvrir bon nombre de nouveaux personnages. Les protagonistes classiques sont relégués dans cet opus au second rang. Ce n’est pas désagréable parce qu’on a le sentiment de repartir à zéro. Ce sentiment m’avait manqué en lisant « New Beijing ». La dimension « réchauffée » a totalement disparue dans ce tome et j’ai apprécié cet état de fait.

Corbeyran a pris l’habitude de changer de dessinateur pour chaque trilogie. Cela permet d’accentuer le parallélisme de chacune en lui offrant sa propre identité graphique. C’est donc Nicolas Otero qui était chargé de mettre en image cette nouvelle saga. Je n’ai pas ressenti de coup de foudre à la première page. Je ne lui reproche pas de ne pas avoir de talent, loin s’en faut. Mais disons que son style possède suffisamment de caractère qu’il m’a fallu quelques temps pour m’y faire. Néanmoins, une fois le trait dompté, j’ai pris énormément de plaisir à découvrir l’univers illustré par Otero. Que ce soit les personnages, les mouvements ou les décors, tout est réussi. Le travail sur les couleurs de Sophie David complète parfaitement son travail.

Pour conclure, j’ai pris énormément de plaisir à me plonger dans « New Moscow ». J’ai retrouvé l’adrénaline qui accompagnait ma découverte de la série initiale. Autant « New Beijing » avait fait naitre un plaisir routinier, autant « New Moscow » offre à nouveau le goût de l’aventure. J’espère que la suite sera du même acabit. Il est rare qu’une suite ou un « spin off » soit de la même qualité que l’œuvre originale. Ce nouvel album me laisse espérer que c’est possible. Ce n’est pas le moindre des compliments. Il ne me reste plus qu’à espérer que « New Delhi » soit à la hauteur de mes espérances. Mais cela est une autre histoire…

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Le Troisième Testament, Julius, T2 : La révélation, 1/2 – Alex Alice & Thimothée Montaigne

Titre : Le Troisième Testament, Julius, T2 : La révélation, 1/2
Scénariste : Alex Alice
Dessinateur : Thimothée Montaigne
Parution : Novembre 2012

Le démarrage du spin-off du « Troisième Testament », nommé « Julius », m’avait à la fois plu et déçu. La comparaison avec la série initiale était à son désavantage, mais la qualité était quand bien même au rendez-vous. Pour ce deuxième tome, intitulé « La révélation – 1/2 » (un diptyque dans une série ?), le dessinateur a déjà changé, Robin Recht laissant la place à Thimothée Montaigne. Ce dernier avait officié dans une série clone du « Troisième Testament » intitulé « Le cinquième évangile » (qui au passage, change aussi de dessinateur). De plus, Xavier Dorison ne persiste dans cette série que comme initiateur du « concept original ». Bref, j’avoue que je n’étais pas très rassuré quand j’ai ouvert cette bande-dessinée.

La nouvelle série, censée pouvoir être lue sans connaître la série originale (ce que je déconseille fortement), présente l’histoire du Sar Ha Sarim, un nouveau messie pour les chrétiens, quelques décennies seulement après la venue du Christ. A côté de lui, Julius, un général romain déchu qui le pousse à s’armer et à repousser les Romains de Judée. Hélas pour lui, le Sar Ha Sarim est adepte de la non-violence et décide de partir seul vers l’orient où il sent un appel. Malgré tout, un petit groupe disparate de soldats et théologiens l’accompagnent. Quand à Julius, parfaitement athée, il n’est là que pour pousser le nouveau messie à abandonner sa quête.

« Julius » reprend un peu le principe de la série. On voyage dans des lieux incroyables, soit par leur beauté (Rome, Babylone), soit par leur terrifiante nature (désert de seul, mine de soufre). Ainsi, les ambiances changent beaucoup. Après deux tomes, l’histoire n’a pas encore réellement avancé et semble démarrer réellement à la fin de ce deuxième opus où le côté épique de la saga reprend ses droits.

Du mal à accrocher aux personnages.

Force est de constater que le suspense commence à se faire sentir. La Mort rôde et l’Apocalypse semble se préparer au bout du chemin. Je trouve assez fort que l’on soit pris autant par une forme de suspense alors que la fin est connue (pour ceux qui ont lu la série originelle bien sûr). En cela, les auteurs font bien monter la pression.

Malgré toutes les qualités du scénario, je garde un part de déception que j’ai du mal à écarter. Je pense avoir du mal à accrocher aux personnages. Le messie reste un peu trop messie et Julius ne m’est absolument pas sympathique. Je pense que c’est là-dessus que j’achoppe vraiment dans cette série. On est très loin de Marbourg et Elisabeth, même la relation entre les deux s’étoffe dans ce tome.

Au niveau du dessin, le changement se ressent dès les premières pages. Thimothée Montaigne a un trait plus épais que son prédécesseur. Le dessin est remarquablement rendu. Les personnages sont très expressifs et leur caractère se lit sur leur visage. Et que dire des paysages ? Montaigne nous gratifie régulièrement de grandes cases panoramiques splendides. Pour cela, le changement de dessinateur n’est pas du tout synonyme de baisse de qualité, même si j’avoue regretter toujours ce genre d’évènement. En tout cas, Montaigne avait déjà prouvé dans « Le cinquième évangile » son talent, il le confirme ici.

Au final, cette « Révélation 1/2 » continue sur la lancée du premier tome. La fin relance le suspense et l’intérêt. Si bien que l’on n’attend qu’une chose : que cette révélation nous arrive enfin dans les mains !

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Billy Brouillard, T3 : Le chant des sirènes – Guillaume Bianco

Titre : Billy Brouillard, T3 : Le chant des sirènes
Scénariste : Guillaume Bianco
Dessinateur : Guillaume Bianco
Parution : Novembre 2012

Billy Brouillard reprend du service dans ce troisième tome appelé « Le chant des sirènes ». Alors qu’il ne voit plus de monstres et peut ainsi vivre beaucoup plus tranquillement, Billy part en vacances à la mer. Il va alors croiser des nymphes et replonger dans ce monde fantastique où les bestioles en tout genre cohabitent au milieu des fantômes. Le tout est toujours publié dans la collection Métamorphose aux éditions Soleil. Cet univers sort tout droit de la plume de Guillaume Bianco.

« Billy Brouillard » est une série originale qui traite de l’imaginaire de l’enfance de façon glauque. Mais c’est surtout un melting-pot de la narration : bande-dessinées, illustrations, poèmes, textes illustrés, publications scientifiques… Il y a de quoi faire dans ce livre. Du coup, le lecteur sera souvent déstabilisé, voire gêné par ce fouillis. Mais c’est justement avec ce genre d’ouvrage que l’objet livre prend tout son sens.

Billy Brouillard va donc rencontrer une sirène qu’il va devoir aller sauver au plus profondément de la mer. Car la petite dormeuse risque de se réveiller… Si l’histoire dans « Billy Brouillard » à une fâcheuse tendance à digresser, le fil rouge existe bel et bien. Il est dommage qu’en début d’ouvrage, on mette si longtemps à voir arriver l’intrigue principale. Clairement, Guillaume Bianco prend son temps et se fait plaisir le long des 128 pages de l’ouvrage. Ainsi, n’y cherchez pas une grande histoire, « Billy Brouillard » est avant un ensemble d’anecdotes qui construisent un univers loufoque, fantastique et malsain.

Une plongée en enfance.

La richesse de la narration se retrouve également dans les émotions qui nous traversent : tristesse, humour, aventure… Il y en a pour tous les goûts ! C’est une vraie plongée en enfance que nous propose Guillaume Bianco. Cette richesse se retrouve aussi dans le graphisme. Ce dernier s’adapte et propose des variations sur le même thème : noir et blanc avec ou non des hachures, lavis… Et c’est sans compter sur les gazettes du bizarre qui ajoutent encore une variété dans le graphisme. Je suis tombé amoureux du dessin de Guillaume Bianco. Il retransmet parfaitement les deux facettes de son univers : l’enfance et le fantastique.

Derrière l’originalité et la pertinence de l’objet, on tiquera un peu sur les nombreuses digressions qui gênent parfois la lecture. Lire cet ouvrage demande un vrai investissement tant il est rude à assimiler, tant sur le fond que sur la forme. Cependant, si vous parvenez à vous immerger dans ce monde, c’est un véritable plaisir !

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